„Ich sehe es als meinen Beitrag zum Zusammenleben, Brücken zu bauen zwischen Genres und Generationen, zwischen sozialen Gruppen und Ländern. Ich möchte, dass Menschen durch meine Kunst neugierig werden. Auf Musik, auf unterschiedliche Persönlichkeiten, auf verschiedene Regionen der Erde‟, sagt K.ZIA. Eine Aussage, die diese Pop- und Universalkünstlerin absolut vielseitig und bereichernd ausfüllt. Sie selbst bezeichnet sich als Afro-Europäerin. Und dieses Selbstverständnis fließt stark in ihre Songs ein. In kraftvolle wie detailverliebte Videos, in Styling und Artwork. Ihre Musik zu hören und so facettenreich zu erleben, fühlt sich an, als öffnen sich permanent neue Fenster. Frischer Wind und neue Impulse kommen hinein. RnB und Hip-Hop, Englisch und Französisch, Heilung und Aufbegehren.
Als ich mit K.ZIA spreche, befindet sie sich gerade in Paris. Wohnhaft ist sie nach Stationen in Belgien, Frankreich und den USA derzeit jedoch in Berlin. Ich bin sehr froh, dass diese inspirierende Sängerin und Songschreiberin bei meiner neuen Artikel-Reihe „Mein Beitrag‟ dabei ist. Unter diesem Titel nehme ich auf meinem Blog junge Musiker*innen und ihre Auseinandersetzung mit sozialen Themen in den Fokus. Und K.ZIA hat mit „Genesis‟ soeben ein Debütalbum veröffentlicht, das reichlich Anregungen bietet. Das private wie politische Verhältnisse klug reflektiert. Und das vor allem eine äußerst warmherzige Utopie für ein respektvolles Miteinander entwirft.
„Ich bin mit Eltern aufgewachsen, die meine Kreativität unterstützen‟
In den vergangenen zwei Jahren habe sie viel Introspektion betrieben und sich damit befasst, welche Werte sie in ihrer Musik vermitteln möchte, erzählt K.ZIA. Entstanden ist so etwa der Song „Privilège“, in dem sie verschiedene Ebenen von Privilegien aufschlüsselt. „Zunächst ist es wichtig, dankbar zu sein für die eigenen Privilegien. Ich bin gesund. Und ich bin mit Eltern aufgewachsen, die meine Kreativität unterstützen‟, sagt K.ZIA, die in Brüssel geboren wurde. Ihr Vater ist der aus Martinique stammende Zirkus-Artist Bernard Quental. Ihre Mutter ist die international gefeierte Afro-Pop-Künstlerin Marie Daulne alias Zap Mama, mit der K.ZIA bereits früh als Backgroundsängerin auf der Bühne stand.
In ihrer Nummer „Privilège“ wendet sie sich zugleich an all jene, die in weniger privilegierten Umständen aufgewachsen sind. Die von strukturellem Rassismus betroffen sind oder wegen ihrer Identität diskriminiert werden. Sie ermutigt dazu, dennoch gezielt nach den positiven Aspekten im eigenen Leben zu suchen und diese wertzuschätzen. Um Energie daraus zu ziehen. Als Ermächtigung. Als Drittes fordert sie in „Privilège“ dazu auf, dass die weiße Mehrheitsgesellschaft ihre Vorzugsstellung hinterfragt. Es geht darum, sich mit weißen Machtpositionen auseinanderzusetzen. Und mit den Vergehen, die daraus resultieren. In der Geschichte und in der Gegenwart. K.ZIA plädiert dafür, eine neue Balance herzustellen. „Privilège“ ist getragen von einem rastlosen Sound, der stark auf Rhythmus basiert und dunkel brodelt. Eine Nummer, die die kämpferische Seite von K.ZIA zeigt.
K.ZIA und ZIA – zwischen Gemeinsinn und Unabhängigkeit
Tatsächlich hat die Musikerin für ihr Album „Genesis‟ zwei Personae geschaffen – K.ZIA und ZIA. K.ZIA ist ein liebender, allumfassender Charakter, der für Selbstfürsorge, Gemeinsinn und Wachstum steht. Musikalisch äußerst sich diese Haltung in englischsprachigen Songs, die sehr viel Wärme ausstrahlen. Die voller Soul stecken. Und in denen K.ZIAs Stimme uns mit sanfter Stärke umarmt. ZIA wiederum ist wild, freigeistig und stolz. Sie ist angetrieben von ihrer Unabhängigkeit. Ihre Sprache ist das Französische. Und sie drückt sich in Songs aus, die von Trap und Afrobeat befeuert werden. Eine spannungsgeladene Dualität.
Mir gefällt die Idee äußerst gut, auch die aggressiven Anteile in sich selbst zu kanalisieren. Zum Beispiel in Musik und in Tanz, im Schreiben und in der Kunst. Das ist meiner Ansicht nach unabdingbar, um das gesellschaftliche Miteinander ausgewogen zu gestalten. Das Impulsive zu verkörpern, birgt für K.ZIA respektive ZIA auch einen emanzipatorischen Ansatz: „Commando Fanm“ ist ein eingängiger Song von rauer Intensität, den sie mit ihrem Vater geschrieben hat. Und den sie mit ihrer Mutter im Duett singt. Eine Ode an starke Frauen. „In vielen westlichen Gesellschaft wird von Frauen noch erwartet, dass sie sanftmütig und angepasst sein sollen‟, sagt K.ZIA. „Aber manche Frauen sind eben laut, haben kräftige Körper und nehmen Raum ein.‟ Das Lied sei auch flirtiv – im Sinne von: „Männer, seid bereit für diese Frauen.‟
„Einen freien Geist zu haben, ist ein absolutes Privileg‟
Zu ihrer Unabhängigkeit gehört für K.ZIA ebenfalls, ihre Musik mit anderen Ausdrucksformen aufzuladen. Bei dem im Senegal gedrehten Video zu „JMFB‟ etwa hat sie selbst Regie geführt. Allein wie sie zu Beginn des Clips als eigensinnige Königin auf gestapelten Plastikstühlen am Strand thront, ist ein großartiges wie eindrückliches Bild. „JMFB‟ ist die Abkürzung für „J’Fais Mes Bails‟, was übersetzt so viel heißt wie „Ich mach meinen Scheiß‟.
Der Song ist eine große Aufforderung dazu, die eigene Einzigartigkeit zu feiern und sich nicht an Erwartungen oder vermeintlichen Standards zu orientieren. Im Englischen gibt es dafür den schönen Begriff „nonapologetic‟. Also: sich nicht (ständig) entschuldigen. „Einen freien Geist zu haben, ist ein absolutes Privileg‟, sagt K.ZIA. „Natürlich bin ich nicht frei davon, eingenommen zu sein von Medien, Gesellschaft und auch meiner Erziehung.‟ Doch ihr Ziel sei es, einengende Konventionen zu entlernen. Also: abkoppeln, in sich gehen, justieren und dann etwas Neues entstehen lassen.
Ein Beitrag, der auf Kultur und Einfühlungsvermögen basiert
In dem wunderbar leicht driftenden Song „Home‟ entfaltet K.ZIA ihre Idee von einem Ort, an dem sich jede und jeder ganz individuell einbringen kann. „In meiner Kindheit und Jugend habe ich mich häufig als Outsiderin gefühlt. Das Schöne am Erwachsensein ist ja, dass wir es viel mehr in der Hand haben, eine eigene Community zu erschaffen und Verbindungen aufzubauen.‟ In „Sanctuary‟ singt sie davon, einen Safe Space zu gestalten, in dem Menschen sich nicht gedrängt fühlen, ihre Identität ändern oder ihre Authentizität verbergen zu müssen.
„Bisher existiert dieses Sanctuary nur mental, als State of Mind‟, sagt K.ZIA. In dem Song hat sie eine Art Mission-Statement, ein Mantra eingefügt. Ein steter Reminder an sich selbst: „Love is my ally / gentleness is my tool / my empathy is my shield / emotions are my fuel / dreams are my mission / they spark up my energy / with art as ammunition / and strength my community‟. Mich beeindruckt und berührt, mit welch kraftvoller Ruhe K.ZIA diese Worte vorträgt. Ein Beitrag zum sozialen Gefüge, der auf Kultur und Einfühlungsvermögen basiert.
K.ZIA ist zutiefst davon überzeugt, dass Musik einen großen Einfluss auf das gesellschaftliche Miteinander hat. Deshalb sieht sie sich als öffentlich agierende Künstlerin auch in der Verantwortung, genau zu überlegen, welche Werte sie vermitteln möchte. Die holistisch auf die Welt blickende K.ZIA ist für die Popkünstlerin dabei ebenso eine politische Persona wie die draufgängerische ZIA. Die eine sagt: „Ich glaube an Toleranz‟. Die andere erklärt: „Ich glaube an Freiheit.‟ Für K.ZIA bedeutet das: unterschiedliche Energien, aber letztlich eine Botschaft.
Äußerst inspirierend finde ich, dass all diese verschiedenen Einflüsse stark in der Popmusikszene Brüssels und Belgiens widerhallen. 
Beim Mittagessen erklärt Julien, dass nicht nur Belgien, sondern auch dessen Popförderstruktur in zwei Hälften geteilt ist. Entsprechend der Demographie kümmert sich Flandern im Norden primär um niederländischsprachige Acts. Die Wallonie im Süden Belgiens, die Julien mit seinem fünfköpfigen Team vertritt, ist fokussiert auf französischsprachige Musiker. Künstler wiederum, die in der Region Brüssel leben, können theoretisch von beiden Seiten Unterstützung erhalten. In der Regel entscheiden sie sich aber früher oder später für WBM oder das das flämische Pendant, das 
Um die Wallonie-Flandern-These in puncto Konzerthallen direkt einmal zu widerlegen, gehe ich am Abend ins Ancienne zum Auftritt der angesagten Hiphopper 
L’Or du Commun spielen eine anderthalbstündige Show, bei der die Menge vom ersten Beat bis zum letzten Reim springt und mitsingt. Eine tolle elektrisierende Atmosphäre, die durch den hervorragenden Klang noch befeuert wird. Auf der Bühne sind neben dem Trio nicht nur zwei DJs aktiv, sondern auch diverse Gastsänger und -rapper. Zudem springen immer wieder besonders enthusiastische Anhänger auf die Bühne, die von der Crew umarmt und in ihre wilden Tänze integriert werden. Ich bin gespannt, ob eine derart tolle Combo ihren Weg bis nach Deutschland findet. Zu wünschen wäre es. 
Wie eine Demonstration ohne Schilder laufen wir durch einige Straßen und kehren schließlich in eine renovierte wie lichtdurchflutete Fabrikhalle ein. Auf Stühlen und Teppichen sowie stehend verteilt sich das Publikum im Raum. Und eine der Initiatorinnen von Indies Keeping Secrets erklärt uns, dass wir uns im 
Die Zwillingsbrüder David und Adam Moss aus New York spielen empfindsamen Country, Folk und Bluegrass. Gitarre, Geige und Cello sowie mehrstimmiger Gesang ergeben einen feinen Fluss. Ihrer hoch harmonischen Musik ist anzuhören, dass die zwei eben schon ihr gesamtes Leben lang zusammen verbringen. Dass sie im wahrsten Sinne des Wortes eingegroovt sind.
So begebe ich mich nach einem 
Anfang der 1980er-Jahre in Brüssel gegründet, spicken namenhafte Acts wie Agnes Obel, Oasis, die Arctic Monkeys und Tom Waits die [PIAS]-Historie. Und einige der bekanntesten Albumcover hängen groß gezogen an den Wänden — von The Prodigys „The Fat Of The Land“ bis zu Nick Caves „The Boatsman’s Call“. Zu den weltweit agierenden Büros zählt auch 
Das Haus am Place de la Vieille Halle aux Blés bietet Besuchern die Möglichkeit, Filme mit und über Jacques Brel anzuschauen. Und seine Laufbahn anhand alter Zeitungsartikel und Dokumente zu erkunden. Doch da die Frühlingssonne lockt und ich es ohnehin liebe, durch die Stadt zu stromern, entscheide ich mich für die „Promenade“, also die Audiotour. Gerät und Kopfhörer lassen sich für zehn Euro ausleihen. In 22 Episoden — wahlweise auf Französisch, Niederländisch oder Englisch — lässt sich auf den Spuren von Jacques Brel wandeln.
Ich erfahre von Kindheit und Karriere. Von favorisierten Orten und kulinarischen Präferenzen. Von Bühnen und Bars. Aber auch von Fluchten in die Fantasie und von sozialkritischen Aspekten. Und natürlich von Brels unbedingtem Glauben an die Kunst. Eine urbane Existenz, die komplex war und voller Kontraste. Die Profanes und Geniales vereinte. Zudem führt die Tour nicht nur durch die Persönlichkeit Jacques Brel, sondern auch zu diversen Sehenswürdigkeiten Brüssels wie dem Grand Place, dem Garten Mont des Arts und dem Place Sainte-Catherine.
Bevor im Sommer die Umbauarbeiten beginnen, hat die Region Brüssel eine Zwischennutzung installiert. Eine Interimsausstellung, eben das Kanal Centre Pompidou, das vom 5. Mai 2018 bis zum 10. Juni 2019 zugänglich ist. Zu sehen und zu erleben sind Performances, eine öffentliche Filmwerkstatt von Regisseur Michel Gondry sowie einige eigens für den Ort entstandene Arbeiten, unter anderem von belgischen Designern. Hauptsächlich zeigt die weitläufige Schau jedoch Werke, die aus dem Centre Pompidou in Paris entliehen sind. Daher der Name. Diese Allianz wird — zurecht, wie ich finde — heftig diskutiert. Wäre solch eine Transferphase doch eine spannende Chance für lokale und noch unbekannte Künstler, sich auszuprobieren.
Ich finde es äußerst gelungen, dass zahlreiche der Exponate so ausgewählt wurden, dass sie mit dem Gebäude korrespondieren. In einer der Hallen etwa stehen Werke des Minimalismus und Konstruktivismus in wechselvollem Verhältnis zu den Verstrebungen der tragenden Gerüste. So zum Beispiel „Fünf offene Würfel in Form eines Kreuzes“ des US-Amerikaners Sol LeWitt, dem Gründer der Konzeptkunst (1928-2007).
Einige Türen der metallenen Spinde hat er mit Motoren versehen, so dass sie sich wie unsichtbar hin- und herbewegen.
Zu sehen ist auch das Gewinnermodell mit dem Titel „Eine Bühne für Brüssel“, das von einem Zusammenschluss aus Brüsseler, Schweizer und Londoner Architekten eingereicht worden war. Der Siegerentwurf überschreitet das anvisierte Budget von 125 Millionen Euro bereits um 25 Millionen Euro. Kommt mir als Hamburgerin bekannt vor, derlei Kostensteigerungen bei Bauvorhaben. Ich bin jedenfalls gespannt, wie diese Kulturstadt aussehen wird, wenn sie fertig ist. Denn eines steht nach zwei Wochen in der belgischen Hauptstadt bereits fest: Da ich völlig zum Brüssel-Fan geworden bin, werde ich gewiss wiederkommen.
Mittlerweile sind mir einige der unter uns probenden Musiker im verwinkelten Gängesystem unseres Hausflurs begegnet. Instrumente schleppend und Boxen schiebend. Ich hatte zwar Französisch in der Schule und an der Uni. Aber ohne Praxis. Weshalb ich nach einem ersten Bonjour meistens ins Englische wechsele. So auch im Gespräch mit den Nachbarn: „Ah, you are the band!“ Gegenfrage: „The band?“
Gut zehn Minuten zu Fuß von uns liegt zwischen botanischem Garten und dem Parc des Bruxelles der 
Zeit, den Cirque Royal in Ruhe auf mich wirken zu lassen. Die Kuppelkonstruktion erinnert mit seiner kreisrunden Auslassung in der Mitte ein wenig an das Pantheon in Rom. Ein beeindruckender Himmel. Unterschiedlich illuminiert scheint mal die Sonne aufzugehen, mal ein nächtliches Firmament zu leuchten. Sehr schön ist das. Und auch der Hauptakteur des Abends ist offensichtliche fasziniert von diesem Ambiente. Mit seinem Faible für Cabaret, Oper, Drama und Spektakel passt Rufus Wainwright nur zu gut in diese schillernde Location.
Der Liederreigen reicht von älteren Songs wie dem elegischen „Barcelona“ bis zu brandaktuellen Stücken wie „Sword Of Damocles“, mit dem er sich explizit an US-Präsident Trump wendet. Umwerfend sind auch die Coverversionen, mit denen er sich vor seinen Heldinnen verneigt. Erstmals singt er eine Nummer von Serge Gainsbourg, die Wainwright derzeit für eine Jane-Birkin-Hommage einstudiert: „La Chanson de Prévert“. Völlig aufgewühlt, mitgenommen und begeistert hat mich seine Interpretation von Joni Mitchells „Both Sides Now“. Die gesamte wahrhaftige Kraft seiner Stimme kommt da zum Schwingen. Im Saal. In mir. Das Traurige, Weise, Fragile, Strahlende.
Julia hat für uns eine umgebaute Fabriketage gefunden. Unser Gastgeber arbeitet als Ausstatter am Theater, weshalb das industrielle Ambiente eine ungeheure Weite atmet und zugleich anregend eingerichtet ist. Jeden Tag entdecken wir neue Details, die in die Wahrnehmung unserer Tage einfließen. Zeichnungen an den Wänden, Kunstbücher, kleine Skulpturen.
Vor zwei Tagen ist das Trio offenbar zu einem Auftritt aufgebrochen, weshalb der Eingang voller Instrumente lag. Wo haben sie wohl gespielt? Und wie heißt die Band überhaupt? Ich mag so eine Spurensuche sehr. Wenn sich reale Hinweise mit meiner Imagination vermischen.
In unmittelbarer Nachbarschaft zu unserer belgischen Factory liegt auf der Grenze zwischen den Stadtteilen Saint-Josse-ten-Noode und Schaerbeek das 
Nach Einlass und Garderobe wandeln die Ankömmlinge zunächst im Halbkreis um die markante Rotunde des Gebäudes herum. Pflanzen ranken über den Köpfen. Und zu den Füßen blühen die Künstler, die bereits im Botanique gespielt haben. Elliott Smith, Oasis, Cat Power — in Umrissen von Blüten stehen Namen und Daten ihrer Auftritte. Ein Flowerwalk of Fame. Schön.
In der Rotonde spielt an diesem Abend Montevideo, eine Band aus Brüssel, ein Hybrid aus Indierock und Electropop. Ich biege jedoch in die Orangerie ab, um 
Das erste Mal live erlebt habe ich Alice Merton 2017 auf dem 
Ihre Songs handeln weniger von Liebe, sondern vielmehr von ihrer persönlichen Entwicklung in den vergangenen Jahren, erzählt Alice Merton. Und diese coole und durchaus feminine Stärke spiegelt sich auch in ihrem Outfit. Ihr schwarzer Catsuit ist mit einer mint-farbenen transparenten Schleppe versehen. Und mit Spiegelsteinen rund um die Taille, so dass Alice Merton je nach Lichteinfall zur lebenden Discokugel wird.